PINCELADAS MÁGICAS: Emile Friant (1863-1932)

Emile Friant fue un pintor nacido en Deuze pero afincado en Nancy, ciudad a la que llegó con su familia a la edad de 8 años, huyendo del conflicto franco-prusiano.

Asistió a la Escuela de Bellas Artes de Nancy, en cuyos salones exhibió sus obras desde la edad de 15 años. Sus exposiciones llamaron pronto la atención y le fue otorgada una beca de estudios para asistir a la Escuela de Bellas Artes de París, en la que conoció a Alexandre Cabanel del que acabó siendo discípulo.

Se le concedió el segundo Premio de Roma en 1883 por su obra "Edipe maudissant son fils Polynice".

En 1889, durante la Exposición Universal de París recibió la medalla de oro por su cuadro titulado "La Toussaint".

La Toussaint (Todos los Santos)

A partir de entonces le llovieron los encargos desde diferentes partes del mundo.

La lutte (La lucha)

Friant fue un pintor naturalista, adscrito a la Escuela de Nancy, de la que fue alumno y profesor.  Si bien su arte no está considerado Art Nouveau. 

La petite barque (La barquita)

Sus obras fueron tachadas de ser excesivamente realistas y cercanas a la fotografía.

Chagrin d'enfant (tristeza de niña)

En sus obras plasma escenas cotidianas y sus modelos son su familia y amigos.

En 1923 se convierte en miembro de la Academia de Bellas Artes de París  y en 1931 fue condecorado con la Legión de Honor.

Les amoureux (Los enamorados)

Es un pintor que a pesar de tener reconocimiento en vida, a su muerte cayó, a mi juicio inexplicablemente, en el olvido.

Aunque falleció en París en 1932, fue enterrado en el Cementerio de Préville de Nancy.  En cuyo Museo de Bellas Artes se encuentran la mayoría de sus obras.

Ombres Portées (Sombras Marcadas)

Este cuadro, titulado Sombras Marcadas, formó parte de la Exposición temática del Museo Thyssen del año 2009, titulada LA SOMBRA.      (Pincha aquí e irás a la entrada de la exposición)

Douleur (Dolor)

En  la película de  Phillipe Claudel, de título “Hace mucho que te quiero”, uno de los personajes lleva a otro al Museo de Bellas Artes de Nancy y le muestra La doleur, uno de sus cuadros más representativos.

He de reconocer que descubrí a este pintor con motivo de la Exposición del Thyssen, que os he comentado antes y que me fascinó.

Pinceladas mágicas: FRANCIS BACON (1909-1992)

Francis Bacon nace en 1909. Irlandés de nacimiento, su familia se traslada a Londres con motivo de la I Guerra Mundial.

Su niñez está marcada por su mala salud. El asma crónica que padece provoca continuas ausencias al colegio y su escasa formación escolar.

A los 16 años su padre le expulsa de casa cuando le pilla probándose la ropa interior de su madre.

Quizás por eso hablaba siempre de forma negativa de su niñez. "Si hubiera sido feliz, pintaría flores", decía.

En 1926 comienza sus clases artísticas en la St. Martin School of Arts de Londres y es a partir de 1927 cuando abandona Inglaterra y se instala en París y Berlín donde trabaja de decorador, pintor, e ilustrador.

La visita a una exposición de Picasso en París le impulsa a pintar. Según sus propias palabras: «Aquellos pierrots, desnudos, paisajes y escenarios me impresionaron mucho, y después pensé que quizá yo también podría pintar».

El Papa Inocencio X de Velázquez (1961)

En 1929 regresa a Londres donde, de forma autodidacta comienza a pintar al óleo, sin gran reconocimiento. Quizás por eso, a los 35 años, y dado su carácter temperamental, destruye casi todos sus cuadros.

Es en 1944 cuando finaliza el tríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión que es muy bien recibido por la crítica, y considerado como uno de los cuadros más originales en el arte del siglo XX.

En 1964 conoce de una "forma extraña" a George Dyer, su amante por muchos años. Según cuenta el propio artista, le sorprende robando en su taller y terminan la noche acostándose juntos.

Retrato de Lucien Freud (1952)

Esta relación tormentosa inspira a Bacon numerosas obras. Dyer termina suicidándose en 1972, con barbitúricos. Tres años más tarde el artista inicia su relación más estable con el joven John Edwards, quien, a la muerte del artista en Madrid en 1992, hereda sus bienes valorados en 11 millones de libras.

Figura en movimiento 1985

Bacon, artista figurativo, plasmó desde su peculiar y, muchas veces, crudo punto de vista la dolorosa condición del ser humano. La muerte en la vida. Su estilo es un conjunto de varios estilos. En su obra aparecen el informalismo, el expresionismo, el matiz onírico del surrealismo y en ocasiones el uso del color del impresionismo, en particular de Van Gogh.

Estudio para autorretrato 1980

Su obra es mucho más que cuerpos distorsionados. Es el deseo de desnudar el alma humana. Sus amigos cuentan que nunca usaba modelos vivos. Manejaba fotografías. Solo lo vio pintar John Edwards, su amante y modelo en 30 cuadros.

Dicen también que podía ser cruel y amable, satánico pero compasivo, femenino y masculino, atento pero déspota... y que a pesar de esta dualidad tenía la capacidad de dar equilibro a sus dos polos opuestos, y que era esto precisamente lo que le convertía en un genio.

Estudio para el cuerpo humano (1981)

Hipercrítico con los demás y con él mismo, llegó a declarar: "Si me pidieran resumir mi vida, diría que consistió en ir de bar en bar".

Página web oficial: Francis Bacon

Pinceladas Mágicas : EDWARD HOPPER (1882 - 1967)

El inconfundible estilo de Edward Hopper siempre me fascinó, su personal forma de pintar lo cotidiano, sus calles vacías, sus figuras solitarias, su paleta de colores, ahí va un pequeño homenaje a este gran maestro de la pintura.

Self Portrait 1925-30

Gas

Hopper fué un claro representante de lo cotidiano, no de lo grandioso, veía la vida y la cultura popular americanas desde el punto de vista del hombre de la calle. 

En vez de bromear sobre el mal gusto de la clase media y sobre el consumismo que desencadenó la prosperidad de la posguerra, cosa que hicieron muchos de los artistas del pop art, sus personajes y paisajes no eran irónicos ni críticos.

Nighthawks

Route 6, Eastham

Lighthouse at Two Lights

Había gozado de popularidad durante la mayor parte de su vida, por sus respresentaciones de cafeterías, restaurantes y calles desoladas, estuvo casado toda su vida con la misma mujer, a la que usó como modelo en numeros cuadros.

Su estilo desnudo y sin adornos, sus figuras aisladas están allí sentadas, solitarias, sean cuales fueren las actividades en que se ocupen están sumidas en la reflexión.

"Automat"

Hotel Room

Office at night

Pese a que pintó cantidad de escenas cotidianas y de realismo social, no es justo encasillarlo como pintor de la "American Scene", la maestría de su obra, su técnica, la composición de sus cuadros, el dominio del pincel, la luz y el color lo sitúan en una categoría propia.
"Me busco a mí" respondió Hopper cuando, poco antes de morir, le preguntaron qué buscaba con su cuadro titulado

Sol en una habitación vacía

Pintor estadounidense discípulo de Robert Henri (fundador de la Ashcan School), Henri introdujo a sus alumnos en el conocimiento de Rembrandt y de Manet y Hopper se tomó muy en serio las enseñanzas de su maestro.

Estuvo en París en 1907, en la capital francesa y contactó con su amigo Patrick Henry Bruce, que había sido compañero suyo en la clase de Henri y que en esa fecha era ya un comprometido modernista.

Bruce trató de convencer a Hopper para que se quedara en París y se uniera a los modernistas en su camino hacia la abstracción, pero prefirió volver a Nueva York y creó su singular estilo, que miraba más hacia atrás, hacia Manet, que hacia delante, hacia el cubismo.

Pinceladas Mágicas: Alphonse Mucha

Creador y divulgador del Art Nouveau, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno, Alphonse Mucha es objeto en Caixa Forum Madrid de la primera exposición retrospectiva que se celebra en España sobre uno de los artistas más relevantes del siglo XX.

Esta exposición es la que me ha decidido a traerlo a esta sección de Pinceladas Mágicas en este momento, porque estoy convencida que Mucha es el típico artista del que sus obras forman parte de nuestra vida, nos suenan a todos, pero el artista nos resulta un perfecto desconocido a la mayoría.

Alphonse Mucha es uno de los primeros artistas globales. Un creador dotado de gran sensibilidad, y seguidor de las técnicas tipográficas de reproducción que encontró la manera de aplicar su arte a los objetos cotidianos, convirtiéndose en el artista gráfico más célebre de su época.

Por esta razón la exposición que tras su clausura en Madrid, el 31 de agosto de 2008, iniciará una itinerancia por diversas ciudades, está compuesta por fotografías, dibujos, litografías, pinturas, carteles, joyas, cerámicas, libros, postales, sellos, entre otras piezas.

Os pongo su biografía:

Alphonse Mucha nació en Ivanci (Moravia), en 1860.

Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística.

Cuando en 1881 un incendio le dejó en el paro, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos.

El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof. Éste último quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Munich.

Mucha se mudó a París en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidades.

Su salto a la fama lo logró en 1895 con su primer cartel litográfico para la actriz Sara Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance. El cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou y causó una auténtica sensación, hasta el punto que Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia.

Mujeres esbeltas, sensuales, seductoras reinas de la naturaleza con largas y abundantes melenas, que miran de frente, seguras, con sus grandes y rasgados ojos, envueltas en ropajes de escenario con orlas, cenefas, flores, estrellas, forman el canon de sus figuras.

Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en lo que se llegó a conocerse como el estilo

Art Nouveau. Una colección de joyas diseñadas por él, en inspirada en las que adornaban a las mujeres de sus carteles, fue presentada por el joyero parisino Georges Fouquet en la Exposición Universal de París de 1900.

Mucha declaró que pensaba que "el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más" de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial.

Siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su país de nacimiento. Por este motivo y tras visitar Estados Unidos entre 1906 y 1910, se estableció en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.

Tras la Primera Guerra Mundial y con Checoslovaquia ya independiente, diseñó estampillas, notas bancarias y otros documentos gubernamentales para la nueva nación.

Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Mucha fue arrestado e interrogado por los alemanes. Nunca se recuperó de la tensión que le produjo este hecho, ni de ver su hogar invadido y vencido.

Murió en Praga el 14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad. Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.

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Pinceladas Mágicas: Francisco Pradilla

Hoy os traigo a otro pintor nacido en Aragón, pero esta vez en la sección de pinceladas Mágicas.

Se trata de Francisco Pradilla (autorretrato) del que tuve ocasión de ver, hace más o menos un par de años, una exposición en Cajalón.

Recuerdo perfectamente que me llamó la atención el rostro de una señora italiana realizado con acuarela. Era realmente increible el realismo conseguido con esta técnica y la forma en que Pradilla había plasmado la personalidad fuerte de la retratada.

He buscado por internet la imagen y no he conseguido localizarla... pero.... de algo tiene que servir tener amigas que son "ratoncillos de biblioteca".

Porque Meli en cuanto lo ha leído se ha puesto manos a la obra, la ha encontrado y me la ha envíado por correo.

El cuadro se titula El día del Corpus Christi en Italia aunque inicialmente se tituló "Vejez: tipo italiano", y en la ficha la describen como una de las mejores obras de Pradilla, lo que debe ser absolutamente cierto ya que a mí me impactó sin saber nada de esta opinión, con lo cual no pude dejarme influir. Aquí está:

Os dejo aquí su biografía:

Francisco Pradilla Ortiz nació en 1848 en Villanueva de Gallego (Zaragoza). (Anualmente se convoca en esta localidad el Premio de Pintura Francisco Pradilla, que este año va por su XXI edición).

Inició su formación en Zaragoza con el pintor y escenógrafo Mariano Pescador y continuó sus estudios en Madrid, en la Academia de San Fernando. En 1874 obtuvo una beca para trasladarse a Roma y continuar allí su aprendizaje.

Su primer cuadro de importancia fue El rapto de las sabinas pero su obra maestra fue Doña Juana la Loca, por la que obtuvo una medalla de honor en La Exposición Mundial de París de 1878. Es el cuadro más emblemático del género histórico en España.


El tratamiento pictórico es muy realista, tanto en la intensidad expresiva de los personajes, en la ejecución de los ropajes y objetos, como en la riqueza del paisaje invernal castellano.

El éxito obtenido con Doña Juana la Loca hizo que el Senado le encargase otro cuadro de historia, La Rendición de Granada, escena en la que recoge la rendición del Rey Boabdil y la entrega de las llaves de la ciudad a los Reyes Católicos.

También pintó retratos a la aristocracia madrileña y conjuntos decorativos. En el campo de la pintura decorativa intervino en la ornamentación del Palacio de Linares de Madrid, donde ejecutó la Lección de Venus al Amor en el techo del salón de baile.

Pradilla fue también un gran paisajista, como ya demostró en sus composiciones de historia. Intentaba ambientar las escenas en exteriores y con una depurada técnica, organizaba amplias perspectivas panorámicas con multitud de figuras y de motivos.

La faceta más moderna de su obra son los abocetados paisajes que realizó tomados del natural, en los que busca plasmar sensaciones atmosféricas y donde abundan las luces efectistas. Un ejemplo de ello es Vendimia en las lagunas pontinas.

Su obra —óleos, acuarelas y dibujos— fue amplia, pero se halla dispersa en colecciones particulares españolas, sobre todo de familias nobiliarias, y en diferentes países europeos y sudamericanos. Y precisamente esta circunstancia sigue obstaculizando su conocimiento adecuado y una imprescindible catalogación que permitiría valorar con mayor exactitud la calidad de la obra de Francisco Pradilla.

Francisco Pradilla vivió en Roma hasta 1895. Recibió altos reconocimientos y fue nombrado miembro honorario de la Academia de Pintura de Munich y académico de mérito de la Academia de San Lucas de Roma.

A su regreso a España, fue nombrado en 1896 director del Museo del Prado. Importante fue también su intervención en la declaración del templo de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza como Monumento Nacional.

Falleció en Madrid, en 1921.

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Pinceladas Mágicas: TAMARA DE LEMPICKA ( 1898 - 1980 )

A cualquiera que tenga opción, le recomiendo ver la obra de Tamara de Lempicka, yo he visto el año pasado una exposición suya en la Casa de las Artes de Vigo (perteneciente a la Fundación Caixa Galicia), puedo asegurar que fué una exposición única , digna de ver y de admirar.

Tamara de Lempicka

Nació en Gorska, en Varsovia, 1898, cuando Polonia formaba parte aún del Imperio Ruso.Venida al mundo en una familia adinerada que pasaba temporadas en San Petersburgo y en Montecarlo, acostumbrada a viajar, a hablar diversas lenguas y por supuesto a divertirse. Su madre adoraba las noches blancas de San Petersburgo porque los bailes duraban más tiempo.

Conoció a Tadeusz Lempicki, un abogado de éxito, joven, rico y guapo, uno de los caballeros más de moda en San Petersburgo, se casó con él en Petrogrado, en 1916 y pasó a ser Tamara de Lempicka (feminizando el apellido del marido, como se hacía en Rusia).

Le duró poco la buena vida, porque en 1917 estalla la Revolución Rusa y Europa estaba en la Primera Guerra Mundial, Tadeusz es detenido y Tamara tiene que huir a Finlandia, aunque no sin antes conseguir los favores de un comisario político que pone en libertad a su marido.

En 1918 abandonan Finlandia por París, y hasta 1923 transcurren los peores y más pobres años de su vida, nació su hija Kizette, a la que pintó en magníficos retratos, en ese agobio extremo, y con problemas matrimoniales surgidos de ese filo de miseria, su hermana Adrianne, que está terminando aquitetura, le da la solución: estudiar bellas artes, Tamara no lo duda un momento y se lanza al proyecto con resolución y entusiasmo.

Era el París de Braque, de Derain, de Picasso, de Gris, de Matisse y de Marie Laurencin, y el París que inaugura el Art Déco, una forma refinada, geométrica y figurativa que ha asimilado rasgos del cubismo y del expresionismo. En 1924 Tamara de Lempicka se convierte en una de las grandes pintoras Déco, se mueve entre marqueses, duques y ricos magnates, vuelve a ganar dinero fácilmente (y se lo gasta) mientras comienza a exponer y a vender sin cambiar su estilo de vida, aunque sí sus amantes.

La tunique rose

Tuvo una etapa de esplendor que va desde 1925 hasta 1935, luego su arte entra claramente en decadencia, pronto la Segunda Guerra Mundial la llevará de nuevo al exilio, esta vez en Estados Unidos donde será una diva mundana. Pasará a ser la sofisticada y atrevida baronesa Kuffner, por su segundo marido, mayor que ella. Tamara no dejó de pintar pero sus cuadros parecen más ingenuos y menos formados, pasó fugazmente por el abstracto en los cincuenta, y volvió en los sesenta a un estilo figurativo más impresionista.

Théléphone II

El barón Kuffner murió en 1962, y la baronesa, siempre rara y atrevida se gastó un dineral en dar tres veces la vuelta al mundo, vendiendo su magnífica casa de California.

La artista no protagonizó muchas exposiciones, será Alain Blondel quien en 1972 redescubrirá su obra, organizando una retrospectiva ( Tamara de Lempicka, de 1925 a 1935 ) en su Galerie du Luxembourg , con gran éxito de prensa y de público.

Retrato de la duquesa de la Salle

Sus últimos años los pasó en el cálido clima de Cuernavaca, cerca de la gran Ciudad de México, sin dejar de ser un personaje excéntrico y de fuerte personalidad.

En la primavera de 1980, las cenizas de Tamara de Lempicka fueron arrojadas desde un avión sobre el mítico volcán Popocatépetl, siguiendo la voluntad de la mundana pintora, que había muerto poco antes al filo de los 82 años.

Portrait de Madame M.

Pinceladas Mágicas: REMEDIOS VARO

En México donde vivió es tan conocida como Frida Kahlo, sus obras están en los grandes museos y existen reproducciones de sus cuadros y láminas en todas las librerías, pero en España, su país natal, es una desconocida. La escritora cubana Zoe Valdés ha querido hacerle justicia en su última novela, titulada “La cazadora de astros”, título de uno de sus cuadros.

Nació en Anglés (Gerona) el 16 de diciembre de 1908 pero dada la profesión de su padre, Ingeniero Hidráulico, que fue quien la animó a desarrollar su talento artístico, recorrió muchas ciudades de España. Fue una de las primeras mujeres estudiantes de la Academia de San Fernando y vivió la atmósfera creativa y vanguardista de la Residencia de Estudiantes. Allí compartió tertulias con Dalí y Lorca.

La cazadora de astros

Se casó con Gregorio Lizárraga, compañero de la Academia, nada más graduarsen, se establecieron en París durante un año y posteriormente en Barcelona. En 1937 separada de Lizárraga se va a vivir con el poeta surrealista Benjamin Péret, quien la introdujo en el círculo íntimo de André Breton. Se relacionaba con los bohemios surrealistas, se fotografiaba vestida de torero, vendía pasteles en la calle o mandaba cartas a desconocidos cuyo nombre elegía al azar en el listín telefónico.

Coquetéo con las teorías de Freud y Jung sobre el inconsciente. Pintó un cuadro “Mujer saliendo del psicoanalista” donde una dama lleva la cabeza de su padre a modo de bolso.

Mujer saliendo del psicoanalista

Pintó mundos imaginarios lleno de personajes extravagantes, con ruedas en vez de pies y ojos de búho, atrapados en un universo onírico de arquitectura gótica y bosques profundos. Su obra era mistica y surrealista pero fundamentalmente onírica. Pintaba lo que soñaba, no lo que vivía.

Hacia la torre

Hasta el final de su vida no consiguió vivir de la pintura, mientras sobrevivió como ilustradora, creadora de escenarios, pintó muebles, falsificó por encargo cuadros de Chirico y diseñó trajes y tocados para teatro.

Durante la guerra civil se exilió en París y al llegar la II Guerra Mundial fue encarcelada para sonsacarle información del círculo de artistas surrealistas.

El paraíso de los gatos (con cariño para Lou)

Cuando la soltaron se marchó a México con su marido Benjamin Péret, su gran amor, a quien Remedios ayudaría económicamente hasta el final y acompañaría en su lecho de muerte.

En 1952 se casó con un político refugiado austríaco Walter Gruen, devoto de su obra quien la convenció para que dejara su trabajo de diseñadora y se dedicase exclusivamente a la pintura.

Mimetismo

Falleció de un ataque cardiaco en 1963, a la edad de 55 años. Varo combinó en su pintura su amor por el arte, la ciencia y el inconsciente para crear un universo mítico y surrealista.

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He de reconocer que he descubierto a esta pintora hace poco. Cayó en mis manos la revista “Mujer de hoy” en la que leí un reportaje en el que la escritora Zoe Valdes, una apasionada del trabajo de Remedios Varo, comentaba algunas de sus obras con motivo de la publicación de su libro "La cazadora de astros"

Sólo puedo añadir que me ha fascinado su pintura, por su temática, su colorido y su forma tan personal de transmitir sensaciones, pero que no he quedado menos impresionada por la mujer que fue Remedios Varo.

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Pinceladas Mágicas: VICENT VAN GOGH

Vincent Willem van Gogh nace en Groot Zunder (Holanda) el 30 de marzo de 1853 y recibe los mismos nombres que su hermano fallecido un año antes.

Abandona pronto la escuela y con 16 años empieza a trabajar en la filial de La Haya de la Galería de arte Goulpil fundada por su tío. Allí se vendían preferentemente obras de artistas holandeses contemporáneos, la conocida como Escuela de La Haya . Anton Mauve, uno de sus miembros, casado con una de las tías de Vincent, será el primer mentor artístico de Van Gogh.

El traslado de Van Gogh a Londres en 1873 señala el inicio de una primera etapa creativa, allí se interesa por Turner y Constable. Tras un rechazo amoroso, se vuelve cada vez más solitario y religioso, hasta que en 1878 decide satisfacer su vocación uniéndose a los mineros de la Borinage. En este período realiza una serie de dibujos de los mineros.

Ya entonces empieza a contar con la colaboración económica de su hermano Theo, quien trabaja en la central de Goupil en París.

En 1880 deja la religión y descubre en la pintura su auténtica vocación. Su primer óleo es el titulado "Muchacha bajo los árboles". Su paleta se torna definitivamente colorista y su visión, menos tradicional, dando forma a su personal visión del postimpresionismo.

A través de su hermano Theo, conoce a Pissarro, Seurat, Toulouse-Lautrec y Degas entre otros. Pero es por Millet por quien siente verdadera admiración.

Su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo induce a trasladarse a Arlés, donde su obra va progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y su propio estado mental.

Sus obras no se venden y sigue dependiendo económicamente de su hermano Théo quien en 1890 pasa por un mala racha laboral y personal . Al ver esta situación Vang Gogh se agobia por ser una carga para su hermano y temiendo un nuevo ataque se dispara con un revólver. Dos días más tarde, el 29 de julio de 1890 fallece el primer genio de la pintura contemporánea.

Vincent Van Gogh produce todo su trabajo, unas 910 pinturas (27 de ellas autorretratos) y 1100 dibujos durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90).

Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, fue la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo, ocurrida poco después de la de Vincent. De hecho, debe señalarse que a ella se debe la venta del único cuadro que se vendiera del pintor, en vida "La viña roja".

La influencia de Van Gogh en el postimpresionismo, expresionismo, fauvismo y los principios del abstraccionismo fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del Siglo XX.

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